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Hemos pasado unos días maravillosos y lluviosos de vacaciones en Praga pero, como no hay mal que por bien no venga, al estar lloviendo nos fuimos a ver las exposiciones que había en ese momento en el Museo de Arte Contemporaneo de Praga:  DOX y descubrimos a Martin Parr.

Martin Parr
Es un fotógrafo británico miembro de Magnum Photos. Su exposición titulada Assorted Cocktail presentaba una colección de varios de sus trabajos. Sus fotografías documentales muestran a personas y objetos en varias ciudades diferentes. Colecciona objetos raros a los que también fotografía. Sus fotografías supersaturadas de México o las gentes de Glasgow son toda una muestra irónica de la realidad. Su serie “bored couples” fue la que mas me impacto, montones de fotografías de parejas aburridas, extrañas, con niños, sin niños, de vacaciones. Su temática básica el ocio, el lujo y la comunicación. Su estilo, el de carteles de publicidad en los que sustituye a super modelos por gente cotidiana. Todo un descubrimiento.

También vimos:

Wandering Church, el español Juan Garaizabal presenta un estudio en alambre de la destrozada iglesia checa Böhmische-Bethlehemskirche en Berlín.

Bob Dylan, Bob Dylan, Boba Dylana, una exposición conjunta de trabajos individuales de Nina Beier, Marie Lund y Jiří Kovanda donde podemos ver objetos encontrados, piezas de cerámica modificadas y objetos cotidianos adaptados representados con una estética minimalista.

Y de postre, y como recuerdo de nuestras vacaciones, un vídeo con todas nuestras fotos:

Este año aprovechamos nuestras vacaciones para irnos hasta Vancouver a visitar a Bea.
El viaje ha sido inolvidable, hicimos de todo: visitar la ciudad, que es preciosa, darnos una vuelta en bici por Stanley park, irnos a Seattle a revivir la época grunge, bañarnos en un lago idílico en Whistler… fotos en flickr
Pero no nos olvidamos nuestro lado más cultural y aprovechamos para ver 3 exposiciones:

The Modern Woman
Drawings by Degas, Renoir, Toulouse-Lautrec and Other Masterpieces from the Musée d’Orsay, Paris en Vancouver Art Gallery

The Modern Woman es una exposición sobre las mujeres de distinta clase social y distintas edades en su vida diaria en la época del impresionismo.
Pintura, bocetos y dibujos de diversos autores: Degas en la foto e impresionante, como siempre, Toulousse-Lautrec.
También había una exhibición de vestidos de la época, y un vídeo de los hermanos Lumière “Salida de la fábrica” que pongo a continuación.

love fear pleasure lust pain glamour death — Andy Warhol Media Works en Seattle Art Museum

Tuve el placer de ver una exposición de Warhol en Barcelona cuando todavía no existía este blog, pero eran pintura e instalaciones.
En la exposición love fear pleasure lust pain glamour death vimos trabajos de fotografía de Andy Warhol y una serie de video-retratos con la cámara fija.
Me gustaron mucho las series de fotomatón en la que pedía a la gente que pasaba por The factory que se metiese en la máquina para retratarse, e incluso él mismo, se hacía autoretratos siendo golpeado, vestido de mujer o con pelucas.
En las explicaciones de cada una de las obras contaban la vida del personaje, cómo se había cruzado con Warhol y cómo había influenciado su obra.
“The exhibition encourages readings of powerful themes such as fame, desire and identity construction, as well as anxiety and isolation, which often accompany stardom.” –Marisa Sánchez, Assistant Curator of Modern and Contemporary Art

kurt en Seattle Art Museum

Kurt es una exposición que recoge la obra de varios artistas y distintas disciplinas en torno a la vida del cantante de Nirvana, Kurt Cobain y que muestra como influencio su música a toda una generación.

Las obras que vemos a continuación son de: Jack Pierson, Jordan Kantor y Scott Fife.

Atomic me ha llamado mucho la atención porque al ver la primera foto me ha parecido una infografía 3D pero, cuando lo ves mas de cerca, te das cuenta de que es una instalación hecha con pelotas de colores e hilo por la que puedes adentrarte. ¿Cuantas habrá utilizado? Impresionante.

Atomic: full of love, full of wonder, es una obra que se expuso en el Roslyn Oxley9 Gallery de Australia en 2005 y que he visto en el blog francés Fubiz

Exposición “Aquí, allí y en ningún sitio” del escultor de Liverpool en el Torreon Fortea.

Bajas las escaleras adentrándote en el mundo de Gibson y te reciben Paco y Manuel, dos de sus esculturas, mirándote, como si estuviesen vivos, casi asustándote. Paco sentado desnudo en una silla, Manuel de pie junto a la entrada. Ambos de cartón pluma y resina, pero con unos ojos que muestran su alma.

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En la pequeña sala lateral están las “Tormented Souls”, 2 esculturas retorcidas y locas. En la sala del fondo te adentras en la vida de barrio, pequeños personajes que recuerdan a aquellos con los que te cruzas en el día a día, de un realismo y una dulzura increíbles.

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En palabras de Alfonso Nasarre de Letosa: “A esos seres -gente de barrio reciclada- con los que nos cruzamos cada día en la calle, nuestra mirada no los individualiza, porque no los vemos; un día, de repente, cobran vida:nos miran [...] Y nos intrigan, y esperamos verlos de nuevo al día siguiente, en el bar, en la tienda, en el consultorio, en el parque [...] Hasta que pasan a formar parte de los recuerdos y sensaciones que para nosotros forman una ciudad”

Hace unas semanas estuvimos de vacaciones en Belgica.
En Bruselas nos alojamos en el Hotel Bloom en el que cada habitación esta decorada por un artista. La nuestra estaba pintada por Viliam Slaminka.

Viliam Slaminka

Al hacer el checkin nos dijeron que había una exposición en la primera planta que se inauguraba por la noche, así que nos pasamos por allí para ver lo que había. Nuestra sorpresa fue que la exposición no era en una sala sino que cada habitación de la primera planta había sido “invadida” por un artísta y el espacio se había convertido en la obra de arte. El pasillo de la primera planta del hotel estaba lleno de gente, música, copas, risas…

Nos disponemos a abrir cada una de las puertas:

Chambre 103. Amandine Levy.
Al entrar en la habitación una chica rubia tumbada en la cama con una copa de champagne en la mano te sonreía mientra hablaba animadamente con un chico.
Amandine y su compañero nos contaron como hacían fotos con el movil en partys y después Amandine las pintaba a tamaño gigante.

Amandine Levy

Chambre 104. Benjamin Spark.
Al abrir la puerta de la habitación, un delicioso olor a chocolate te azotaba en la nariz.
Benjamin había construido un cubo gigante en el que había pegado miles de ositos de chocolate y lo había situado en el centro de la habitación. Los ositos se iban derritiendo con el calor de las luces de la habitación y dejando una mancha marrón en el suelo. El título de la obra: Hurry it´s melting

Benjamin Spark

Chambre 105. Katia Ben.
Por debajo de la puerta de la habitación 105 salían luces de neón.
Katia había construido un cubo con hilos de colores fosforescente de forma que al apagar la luz brillaban.  Ocupaban todo el espacio de la habitación.

Katia Ben

Chambre 106 y 120. Stoul- Miette- Eliz.
Una interacción en 2 habitaciones.
En la 106 el universo siniestro, sombrio y fetichista de Miette.
En la 120 el universo femenino, acido y pop de Stoul Estelle Hargous-Martin.
Y las 2 habitaciones decoradas por la fotografa Eliz como si fuesen las habitaciones de las propias artístas.

Miette y Eliz

Stoul

Chambre 107. Stephan Vee.
Eel suelo de la habitación  y la cama lleno de una interminable tira transparente pintada de colores Cyan Magenta y Amarillo.
Stephan simula un número interminable de negativos. Sobre la cómoda 2 cajas de luz.

stephan vee

Chamber 108 y 118. Reservoir Shop.
Party time!
Reservoir Shop es una nueva marca y tienda de ropa de los nuevos talentos emergente en Bruselas. Los creadores de la idea, Nicolas Vlock y Yoan Benaniba nos explican que en su instalación pasas primero a la habitación 108 en la que un estilista te viste con ropa de su tienda, despues ta maquillan y la propia Yoan te lleva a la habitación 118 donde te peinan y una fotógrafa te hace una foto en un pequeño estudio improvisado en la propia habitación.

Reservoir Shop

Reservoir Shop

Chamber 109 Sophie Toulouse.
Yo no quiero entrar a esta habitación. Me da miedo.
Unos zapatos de payaso enormes en la puerta entre abierta. La luz apagada a excepción de una lampara giratoria que proyecta formas en las paredes. la tele proyecta una película de miedo y en la cama hay un bulto como si alguien durmiese. La pintura de Sophie Toulouse con formas geométricas en rojo apoyada en la mesa.

Sophie Toulousse

Chamber 110. Sandrea Simons.
Un mundo mortalmente mágico.
Sandrea esta sentada en el suelo sobre la moqueta verde. Lleva una corona de princesa y esta rodeada de animales disecados como si se tratase de un museo de ciencias pero con la diferencia de que estos animales están maquillados, vestidos, tienen flores, pendientes y collares de perlas…, Una mezcla entre Frankenstain y Sisi emperatriz.

Sandrea Simons

Chamber 111. Sophie Dassel.
Lo visible y lo invisible.
Con luces de neón vemos el trabajo de Sophie Dassel. Maniquís hechos de materiales reclicados ocupando el espacio de la habitación y una colcha de plásticos también reciclados cubre la cama. El blanco de todos los materiales hace que brillen con luz propia y nos permite leer ver y leer cosas que con luz no veriamos.

Sophie Dassel

Chamber 112. Damin Paul Gal.
Un cerdito con un collar de perro te da la bienvenida, tirando de él, un maniquí.
Mezcla de fotografía, escultura, collage y pintura. Damin ha desarrollado una nueva técnica termodinámica para tratar el plástico y la utiliza para vestir a sus escultura o hacer carteles.

Damin Paul Gal

Chamber 114. Samuel Levy.
El techo lleno de cintas de papel como naturalez artificial. En las paredes las pinturas abstractas de Samuel Levy con la misma temática.

Chamber 115. Isabelle Rousseau.
Cada una de las obras parece una pequeña lámpara que ilumina una parte de la habitación.
Isabelle muestra una forma muy creativa de utilizar la fotografía. Fotos de personas impresas y superpuestas como si se tratasen de la propia piel. Montadas en cajas de luz. Se superponen los colores y las formas.

Isabelle Rousseau

Chamber 116. Taling.
El universo del PopArt.
No hay trozo de la habitación que no esten llenos por un personaje de Taling: manga, un smile, un comic o candy candy posando desnuda como la Venus.  Pintados directamente sobre la pared, en la colcha, las lámparas, proyectados, en lienzo colgados o en el cuerpo pintados en un performance live.

Talign

Chamber 117. “4″.
Un trabajo conjunto de Gina Olafson, Jean Baptiste Biche y Gala Moody.

Chamber 119. Corinne Lecot.
Los personajes de sus fotos salen de las paredes blancas de la habitación.
Corinne recorta de sus fotografías a los protagonistas dejándolos con el fondo blanco, como si los sacase del paisaje y de esta forma del contexto de la foto.

Corinne Lecot

Chamber 121. Carl Jonckheere.
Pintura abstracta en la última habitación de la planta primera del hotel.
Según las palabras de Carl, “la pintura es lo que es” y la saca de toda percepción intelectual para dejar al espectador ver y disfrutar sin pensar.

Carl Jonckheere

Gracias a Toño por las fotos del post.
Se pueden ver más fotos del evento en su facebook.

He oido hablar 2 veces en un mismo día de Pablo Pérez Sanmartín, solo podía ser una señal para ver su trabajo, y lo era!

Todo su estilo me gusta pero el trabajo que destacaría es “We didn´t start de fire” basado en una canción de Billy Joel y que según sus propias palabras son:

Plantillas recortables para componer nuestras propias escenografías o que reproducen el móvil, la videoconsola o el Ipod, los iconos contemporáneos por excelencia, y de paso nos hacen reflexionar sobre la falsa idea de interactividad y libertad de elección que aparentemente transmiten.

pabloperez

javi perez

“Jardín del que duerme, de tierra blanca y húmeda,
de flores llamadas a ser estrellas en otros sueños.
Jardín sin dueño, para recorrer despacio con los ojos hambrientos
de esos niños que en los sueños somos.”
Chus Castejón

Una exposición de Javi Pérez, artista de Zaragoza influenciado por el arte japonés.
Aguas tranquilas y flores. Cuadros que parecen estar húmedos y pigmentos hechos con pétalos.
Sala Cai Barbasán, Don Jaime 33. Zaragoza

Un código de barras es un gráfico de líneas verticales paralelas y de diferente grosor que representa las características de un producto. Los códigos de barras se leen mediante dispositivos ópticos y agilizan el trabajo de identificación de un producto y almacenaje. Están implantados globalmente.

Siempre me he sentido atraida por esta representación gráfica de un producto y me he encontrado con que no soy la única, veamos Barcode Plantage, un trabajo de Daniel A. Becker que convierte el código de barras de un producto en un árbol, único y singular, asignando a cada línea y cada valor del código unos parámetros. BARCODE PLANTAGE transforms a simple product bar code into a unique tree in the garden of globalisation

bardecode plantage

Estos son algunos ejemplos, yo no he podido generar el gráfico a partir de un código que introduzco, solo lo puedo hacer en modo random, seguro que me falta algún plugin, pero bueno, es igual de interesante.

Scott Blake es un artista que convierte los códigos de barras en arte. Los utiliza imprimiendolos uno a uno y formando un collage o a través de un copy y paste en photoshop.

barcodes y scott blake

También podemos ver esta página en la que te puedes generar tu propio código de barras de forma gratuita, darle el tamaño que quieras e imprimirlo. Ya solo me falta llevármelo a un supermercado de esos que tienen maquinicas para descubrir si realmente lo lee y cómo lo interpreta.

codigo de barras

Hace tiempo postee sobre Semacode y su sistema de convertir tu nombre en una especie de código de barras que puede ser interpretado por tu móvil y realizar una búsqueda a través de google. Ver post

semacode

Más información sobre códigos de barras:

En 1840, Shangay era una de las terceras potencias mundiales, se la consideraba el “Paris de Oriente”. Con la revolución comunista dde 1949, muchos de sus habitantes emigraron a Japón pero la transformación económica de 1992, ha hecho que vuelvan muchas de las nuevas generaciones para constuir su “cultural renaissance”. Marcas, diseñadors, creativos estan trabajando en esta nueva sociedad de consumo y de ciudadanos de clase media.

En la exposición, me han llamado la atención:
Las fotografías de Weng Peijun con la serie “Great family aspirations” donde se retrata a si mismo y a su familia disfrazados de aquellas situaciones tópicas de una familia en japón, deporte, graduado, trabajando,
casándose…

great family aspirations

El trabajo de la diseñadora de moda Ma Ke, que movida por la unión de moda y arte contemporáneo crea la firma Wu Yong (Useless) y explora este concepto en sus creaciones. Recoje una manta que tapaba un cuadro y crea un fabuloso vestido, o utiliza una lona vieja para hacer un abrigo de un volumen increible.

wu yong

wu yong

Este enlace lleva a una exposición que hizo en Mayo en el V&A y donde se pueden ver algunas fotografias más de su trabajo.
Ma Ke invita al director de cine Jia Zhang Ke, a que la siga en la presentación de su colección en París con la finalidad de crear un documental del mismo nombre que su marca en el que muestra los cambios que esta sufriendo China, y en una de las secciones del documental, se ve cómo Ma Ke recupera los procedimientos artesanales en el diseño y fabricación de su ropa. Este es el trailers de esa parte:

Las portadas para la revista Vision de la fotógrafa Chen Man que mezcla fotografía con poderosos renders en 3D.

Y la instalación en una caja de luz que simula pequeños apartamentos de familias creada con fotografías tomadas a familias reales en sus casas reales y luego cortadas y montadas para quitar la estructura de la casa y quedarse con los productos, los elementos que diferencia 2 culturas, las casas con familias mayores y las de familias jóvenes. No he podido encontrar el autor de esta obra…


1. Shenzhen: Frontier City. Graphic design

3. Beijing: Future city. Architecture & urban planning

Me encanta el trabajo de este artista californiano:

Jeff Soto communicates profound visions and fears, nostalgia of his youth, and themes of love, lust, and hope.”

obra de jeff soto

Si no estuviese todo vendido, me lo compraría yo.

Paseando por el pirineo aragonés estos días de Semana Santa y casi sin quererlo, como nos sucedió con Siah Armajani, nos encontramos con una escultura cerca de Belsué un pueblecito situado en una ruta poco transitada y que esta en reconstrucción.

La obra es del artista portugués Alberto Carneiro, el sitio elegido y la sencillez de la obra nos apunta a una clara influencia oriental del autor, filosofía Zen, Tao, Hindú, Tantra,… La obra se títula “As árvores florescem em Huesca (Los árboles florecen en Huesca).” copio un pequeño parrafo que describe la obra y que he sacado de la página web del Cdan, donde se puede encontrar más información sobre Alberto Carneiro:

“Los grandes muros ciegos de piedra no configuran ni una casa ni una nave agrícola sino que constituyen una “arquitectura poética”, un mandala, en cuanto que se elevan para ofrecer una potente estructura geométrica sin funcionalidad, que sirve para encerrar en su interior una metáfora del árbol, la escultura en bronce que se deja ver parcialmente en el interior de un gran gnomon, un menhir contemporáneo.”
Javier Maderuelo. Alberto Carneiro. CDAN de la Fundación Beulas, 2006. pp 89-90.

alberto carneiro

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El martes día 19 asistí a una charla-debate muy interesante en el Centro de Historia de Zaragoza titulada “El arte ante nuestros ojos. Arte Global (de lo local a lo global)”. Pertenece a una jornada organizada por Montse Arbelo y Joseba Franco del proyecto Nomadas.

Junto a ellos se encontraban Ángeles del CCCB de Barcelona, Araceli de Proyecto KREA en Alava y Carolina del Centro de Arte Contemporáneo de Huarte (Navarra).

Comenzarón la intervención con varias ideas interesantes:
- Estamos ante un arte global o si por el contrario nos encontramos ante pequeños núcleos de arte local.
- Ahora se viaja mucho más que antes, por lo que todas las personas estamos abiertas a otras culturas y ya no se pide el pasaporte de un artista junto a su obra.
- El arte como activismo en la exposición influences.org que se hará en Barcelona.
- Difusión a través de las nuevas tecnologías de lo que se esta haciendo en pequeñas localidades. El planteamiento es local, la difusión es global.
- La “sociedad líquida”de Bauman y la creación de centros 2.0 que mezclen arte y sociedad y que la sociedad pueda participar e interactuar con el centro a la vez que crear redes de centros y no competiciones entre ellos.
- El ritmo frenético en el que vivimos donde nada perdura nos lleva hacia una reflexión mayor para no sumergirnos en el caos.
- El miedo a que un centro se convierta en un bar o un teatro.
- Diferencia entre el arte como ocio, espectáculo y el arte como reflexión, investigación.

Todo esto me recordo releerme la charla de Manuel Castells que dió en el 2006 y que almacene en pensieve.

Se hablo sobre las afluencias de público a lo que se hacia en los museos y esto nos llevó a la pregunta que me quitaron de la boca: que pasa con los “seres digitales”? las personas que vivimos sumergidas en las nuevas tecnologías. Como atraer a esas personas a un museo si todo el panorama que necesitan lo tiene delante de un monitor de ordenador? y para qué atraérlas? para cuando un museo 2.0, pero de verdad? y como sería?

Es verdad que se están realizando pequeñas acciones online como la retransmisión de charlas o eventos (olé por Montsé y Joseba que pondrán esta charla junto a los otras que tienen en su web y que me permitieron conocer su obra a través de internet, lo que me motivo todavía más a acudir a ver su exposición y a la conferencia), pero no hay que mirar tanto hacia el futuro: uno de los asistentes aseguro que su página cumplía la noma de accesibilidad doble A siendo que, o tengo mal la dirección, o esa web esta hecha integramente en flash y no tiene versión accesible y el Centro de Historia no tiene ni siquiera una web en condiciones donde poder informarnos de los eventos, ni siquiera un sistema de newsletters o sindicación por rss y estos son pequeños puntos que se pueden corregir a día de hoy. Este es el único punto negativo que le veo a la charla y es por mi profesión.

No estoy hablando de museos en second life (que por otra parte sería muy interesante), sino que estoy hablando de poder acercar la cultura a todo el mundo, incluso aquellos con problemas de accesibilidad o con menos solvencia de la que quisieran para poder desplazarse a ver exposiciones. Como se comentó en las ideas del principio, las nuevas tecnologías nos permitirán hacer esto y creo que los asistentes, sobre todo los artistas, están trabajando por ello y para ello en la medida que les permiten o por lo menos se lo están planteando.

Yo sigo disfrutando acudiendo a exposiciones, eventos, sean en museos o al aire libre y no me siento capaz de describir ahora como sería para mi un museo 2.0 (aunque tengo varias ideas) pero eso lo dejo para otro post.

Última semana para ver la obra de Yoshiko Fujiwara
Torreón Fortea,
C/ Torrenueva, 25

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Pasear entre la obra de Yoshiko es como pasear entra las páginas de un cuento.

Sus esculturas representan personajes surrealistas, animales, granjas, casitas y paisajes de prespectivas imposibles.

Hablan por si solas. Cuentan historias. Son muy críticas hacia el hombre y su manera de relacionarse con la naturaleza pensando siempre que es el centro del universo.

Todas las esculturas son realizadas en bronce y sin aplicar ningún color.

Otra exposición que podemos ver en el Palacio de Sástago de Zaragoza hasta el 10 de febrero.

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No conocía casi nada de la obra de Mimmo Paladino ni de la vanguardia italiana, pero la exposición me ha gustado.
Mezcla de escultura y pintura, con predominio del color rojo sobre fondos blancos. Una obra de fácil compresión, muy variada porque recorre desde los primeros momentos del escultor hasta las últimas obras y de temática en la que destaca el territorio y las costumbres.
Muchas de las piezas me las pondría en el salón de casa o el jardín (si tuviese espacio, claro).

2 exposiciones que se pueden ver en Zaragoza.

Iniciar Sesión es una muestra colectiva con obras de varios creativos gráficos.
Hay algunos trabajos buenos pero la mayoría no muestran el alto nivel de diseño que hay en esta provincia. Me ha parecido una exposición pobre, cuyo título no refleja los trabajos que te puedes encontrar allí (por lo menos me esperaba algo interactivo), e incluso la realización del vídeo de la muestra se podría haber hecho mucho mejor.
14.12.07 – 10.02.08. 4º Espacio. Pza. España, 1

Las Clepsidras son esculturas que utilizan el agua para medir el tiempo y que los egipcios utilizaban como relojes. En la exposición del escultor Paco Santamaría, podemos ver varias de estas esculturas y su funcionamiento.
Interesante exposición que te adentra en el mundo de los relojes. Es divertido seguir los chorros del agua para ver como mueve la maquinaria. Trabajo muy delicado y preciso el realizado por el escultor.
17.01.08 – 20.03.08. Espacio para el arte. Pza. Aragón, 4

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