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Antes de ayer estuve en una charla que dio Manuel Toharia, director del Museo de las Ciencias de Valencia.

Después de las presentaciones la charla comenzó asi: Porqué Zaragoza necesita un Museo de la Ciencia Interactivo.

Yo he creado 10 puntos con aquellas ideas que saqué de la charla.

1- Porque es la cuarta (o quinta) provincia de España y debería contar con un museo de la ciencia.

2- Porque un museo es algo más que un sitio donde almacenar arte y conocimiento:
Manuel Toharia nos introduce un poco de historia sobre los museos:
- Museo como “Casa de las musas”.
- Lugar donde los más ricos enseñaban las obras que poseían a sus amigos.
- Almacen donde se guardan todas aquellas cosas que se traen de otros paises lejanos o aquellos descubrimientos que hacen científicos como Darwin o Galileo.

3- Porque el conocimiento crece exponencialmente:
Es este siglo hay los mismos científicos vivos que en toda la historia de la ciencia y lo mismo sucede con el conocimiento.

4- Porque debemos evitar el miedo a lo desconocido:
Existe un miedo hacia las nuevas tecnologías. Sabemos utilizarlas pero no sabemos como funcionan y eso nos hace desconfiar y hacer afirmaciones que no son ciertas. Ej: Si una persona seria nos dice que el microondas produce cancer, como no como funciona, nos lo creemos y nos da miedo. Como Asterix creía que el cielo se iba a desplomar sobre su cabeza.

5- Por la curiosidad innata del ser humano:
Desde pequeños hacemos preguntas del tipo: por qué el cielo es azul o por qué los perros levantan la pata al mear (duda que, nos afirma, todavía no le han respondido a él ni a otros científicos amigos suyos)

6- Porque la naturaleza no tiene asignaturas:
Em los museos se evitan las asignaturas impuestas en la enseñanza, se mezcla la química con la física y con las matemáticas, como en la naturaleza.

7- Porque un museo cumple, como una noticia, varias funciones:
Informativa + Divulgativa + Opinión.
Ej: un compañero suyo, director de otro museo, realizó un especial cuando se comenzó a hablar de las vacas locas. Creo un folleto en el que contaba la enfermedad, quien la descubrió, sus causas, efectos,… de forma que todo el mundo pudiera entenderla, y se repartió con los periódicos.

8- Porque hay que mirar al futuro:
Muchas de las cosas que utilizamos hoy en día se descubrieron tiempo atrás. Por ejemplo: el descubrimiento de que la electricidad y las fuerzas magnéticas tienen un mismo principio, se demostró hace mucho tiempo aunque su descubridor lo explicó como simples formulas sin darle mayor importancia. Hoy en día todo el sistema electrico, el micrófono por el que esta hablando Manuel, se rigen por este principio.

9- Por el “placer de saber”:
Es el único placer que nos diferencia de los animales. Compartimos con ellos el placer de comer, el placer sexual,… pero solo el ser humano siente este placer.

10- Porque es divertido:

Se puede tocar, jugar, interactuar, se pasa un buen rato.

Me pareció una charla muy interesante, Manuel Toharia es un gran comunicador y lo demostró. Me dejó con ganas de ir a su museo, trabajar en un museo o estarme un año de prácticas aprendiendo a su lado. Y me enseñó que ir a una charla como la suya, no es necesario, pero me hizo relajarme y sonreir.

“El conocimiento, más que una necesidad, es una satisfacción. Admirar una obra de arte o escuchar música tampoco es necesario, pero nos hace más felices.”

Un enlace a una entrevista suya.

Gracias a Cadius Zaragoza, pudimos asistir el viernes pasado a un taller sobre Eyetracking en Huesca, impartido por el Laboratorio Aragones de Usabilidad.

Debido a un pequeño atasco a la salida de Zaragoza llegamos un poco tarde, pero justo en el momento en que Elena comenzaba su presentación hablando de Tobii, la máquina que permite captar el movimiento del ojo y el software que permite analizar los datos que recoge.

eyetracking02

El proceso para realizar el estudio es el siguiente:

  1. Se confecciona el test de usuario que se va a realizar.
  2. El usuario se sienta frente a la pantalla y se realiza la calibración del ojo como si fuese una pda.
  3. Se recoge la información de diferentes formas:
    - Ruta sacádica: puntos y lineas que marcan la trayectoria del ojo y cuyo diámetro se agranda cuanto mayor es la permanencia del ojo en un punto.
    - Mapa de calor: marcando las zonas calientes en las que ha permanecido el ojo. El rojo es la que más tiempo ha estado, después amarillo, verde,…
    - Zonas ciegas grises: Se pone una capa negra sobre la imagen analizada. La permanencia del ojo en zonas determinadas nos permite que esa capa negra se transparente de forma que vemos solo aquellos puntos en los que el ojo se ha fijado más.
  4. Se realizan gráficas de la web y tablas de parámetros: la primera fijación, veces que pasa el ojo por un punto, tiempos de permanencia,…
  5. Los datos que genera son un .txt que podemos pasar a cualquier formato y utilizarlo en otras aplicaciones.
  6. Aplicaciones del estudio:
    - Marketing
    - Ver resultados de publicidad online
    - El caso de ergoestudio.com, como consultora que utiliza sus propios recursos para el estudio de la usabilidad
    - Usabilidad

eyetracking01

A continuación pasa Daniel Torres a hacernos una presentación de 23 conclusiones que se han sacado de estudios de eyetracking y que podemos leer aqui. Las más interesantes son:

  1. El texto atrae más que las imágenes, y aquellas imágenes que mas nos atraen son aquellas con caras.
  2. Los banners no llaman la atención y tampoco el texto con formato.
  3. Los listados y datos numéricos atraen la atención.
  4. El espacio blanco es nuestro amigo.
  5. Las herramientas de ayuda a la navegación están mejor situadas arriba.

Llega la hora de probar la máquina y me ofrezco como una de los 5 voluntarios. Me calibran la pantalla-ojo y nos ponen imágenes de 4 segundos, en las que se recogerán 60 movimientos del ojo por segundo.

eyetracking03

Imagínate que un día sales a la calle y te encuentras un puntero gigante, como el de tu ordenador, pero en medio de la acera, estas soñando? Lo esquivas y sigues caminando, te ves reflejado en un escaparate y ves que encima de la cabeza tienes un bocadillo de texto, sisi, como los de secondlife, puede ser verdad? y al final, llegas a tu destino desconcertado y justo en la puerta ves una marca como las de googel maps. Qué esta pasando?

Quizás deberías de utilizar menos tu ordenador, o quizás está cerca Datenform.

Aram Bartholl vive y trabaja en Berlín y ha participado en muchas exposiciones como Ars Electronica 06 o Transmediale 07.
Con su trabajo intenta mostrar la relación entre los datos en la red y la vida cotidiana. Copio de su web:

“In which form does the network data world manifest itself in our everyday life? What comes back from cyberspace into physical space? How do digital innovations influence our everyday actions? ”

Su último proyecto llamado “Are you social?” trata de la web 2.0, y es una camiseta en la que hay impreso un formulario con todas las principales redes sociales que puedes encontrar en internet. Con un rotu solo tienes que marcar aquellas en las que tienes una cuenta y personalizar tu camiseta.

En el 2006 hizo “Map” un proyecto que recrea las marcas de Googel Maps pero en la calle. Una estructura de madera y papel que se puede poner en el punto de la ciudad que se quiera. Crea también el mismo efecto de zoom que en la web de googel, según te acercas se va haciendo más grande.

En “Speech Bubble” se sirve de una caja de luz con forma de bocadillo de comic, un mensaje escrito y una barra, para crear una ilusión de los comentarios que se hacen en SecondLife o juegos com Warcraft. Lo situa detrás de la gente y así parece que estén hablando como los avatares. Posteriormente, perfeccionará este sistema en “Chat” integrando un teclado que permite cambiar el texto que aparece en el bocadillo.

Esta ilustración me la he hecho con Semacode, un sistema que utiliza en “Googel Portrait Series”  y en “Tagging”, sino lo he entendido mal, es un sistema que coge tu nombre, lo pasa a través de un sistema java a este símbolo de pixels entendible por un móvil, de forma que si tu haces una foto a este símbolo con el teléfono, este lo interpreta y busca en googel tu nombre. Para entendernos, convierte a tu móvil en un lector de código de barras para googel.

semacode
Os recomiendo ver todos sus proyectos y seguir su blog. No tienen desperdicio.

Un video precioso aunque no he podido encontrar mucha información de los creadores, solo se que participaron en Chroreodrome 2007 en Londres y que la música es de Win Mertens.

Conocí a Uli Westphal a raiz de ver la foto de su trabajo “Mutatoes” en varios blogs.

uli

Investigé más sobre su obra y tiene trabajos muy interesantes.

Su temática es tratar de recrear a través de instalaciones, escultura y fotografía, diferentes fenómenos naturales que se producen en el mundo y que, en muchos casos, todavían no se han explicado como pueden suceder.

“The intangibility of miraculous natural phenomenon that occur in remote, exotic places is where I depart as a creator of objects of simulation. These objects represent physical fantastic experiences, uncommonly encountered and predominantly unknown by the world today.”

Genera espacios en los que te puedes meter y experimentar sensaciones que no podrías experimentar de otra manera. En sus trabajos “Leviathan”, “Hawaiisimulator” y “Subterrania” te sientes como si estuvieses dentro del estómago de una ballena, te encontrases en una playa en hawaii o estuvieses viendo a través de un volcán el otro lado de la tierra.

uli

Recrea fenómenos mitológicos, como unas fotografías en las que aparece el Yeti, o una serpiente gigantesta en medio del mar basándose en unas fotos de Robert Serrec de 1964.

Proyecta insectos hasta que son del tamaño de un hombre en “Magnificent” o crea una tabla de surf con forma de calamar gigante en “Calamariisurfing”.

uli

Estoy deseando ir a una de sus exposiciones y meterme en esa barriga de ballena.

Pipilotti Rist es mi vídeo artista favorita.La conocí en una exposición en el Reina Sofia de Madrid y me dejo impresionada.

Su temática principal es el cuerpo humano. Su medio de expresión es el vídeo, y experimenta con efectos visuales, drops y fallos, como por ejemplo las lineas del forward. En muchas de sus obras aparece ella misma, disfrazada o desnuda. Sus trabajos son simples, divertidos y muy bonitos. Llenos de color.

En sus comienzos fué influenciada por el movimiento Fluxus, y a su vez, por la influencia que este movimiento ejercía en The Beattles y el trabajo de Yoko Ono. Su primer trabajo y uno de los más famosos es “I´m Not the Girl Who Misses Much” de 1986, sacado de una canción de John Lennon, en el que aparece Pipilotti con un vestido negro dejando su pecho al aire y cantando una y otra vez esta linea de la canción. Utiliza pases a cámara rápida y lenta, detiene el vídeo y distorsiona la voz.

Pipilotti utiliza en varias ocasiones la canción “Wicked Game”de Chris Isaak. La primera vez es en la videointalación “I am a victim of this song”. La segunda es en la obra “Sip my Ocean” de 1996 en la que ella misma canta la canción. Es una videoinstalación muy bonita. Se proyecta en una habitación a oscuras y llena de cojines para poder sentarse. En una pared proyecta una parte y el la de alado el otro vídeo, de forma que quedan unidos por la esquina. Utiliza una cámara sumergible y graba su cuerpo y el suelo de la piscina con objetos encontrados. Los movimientos de cámara son rotatorios como si estuviesemos viendo un caleidoscopio, potenciando este efecto al verlo proyectado en la esquina. Son tonos azules y claros, como si nos encontrasemos nosotros también debajo del mar. Me podría pasar horas viendo este trabajo y relajándome.

Por el contrario a esta videoinstalación, el trabajo que realiza en “Ever is Over All”, lo que invita es a levantarte, salir a la calle y golpear todas las ventanillas de los coches que te encuentras a tu paso. En esta videoinstalación, volvemos a ver dos videos en paredes continuas, uno de frente y otro a la derecha. El de la derecha simula nuestro espejo retrovisor, vemos imágenes muy agradables de flores rojas, planos muy cercanos de colores cálidos. En la pared de enfrente, se proyecta un loop, en el que aparece Pipilotti disfrazada y con una flor gigante en la mano. Pasea por una calle, a la izquierda esta la pared y a la derecha una fila de coches. Camina por la calle balanceando la flor, de repente, golpea uno de los coches con la flor y rompe la ventanilla. Sigue caminando. Vuelve a golpear otro coche y rompe la ventanilla. Se cruza con gente, un policia, se saludan, y sigue caminando y sigue golpeando.


El último trabajo que me gustaría comentar, es su videoinstalación “Open my Glade” que consta de 16 videos de un minuto cada uno y se proyectaban cada hora desde las 9 a las 12 en Times Square en Nueva York. Pipilotti simulando estar encerrada dentro de una tele.

Su trabajo es dificil de ver, nunca ha editado ningún DVD, aunque si que han editado libros sobre su obra.
En esta web hay fotografías de sus trabajos desglosadas.
Aqui podemos encontrar un recopilación de sus trabajos. El video se puede descargar.
Subterfuge
editó un cd con la banda sonora de sus trabajos con ocasión de una exposicón colectiva realizada en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León y titulada Pröblemäs büenös. 4 obras de Pipilotti Rist y amigäs
Más información sobre su obra y vida en la wikipedia.

Durante las jornadas de Open Art de este año, pude asistir a la conferencia que dió Enrique Radigales.

La primera parte fué sobre las 3P que engloba un proyecto (Preproducción, producción y postproducción), y a continuación copio algunos fragmentos de las diapositivas que nos fué mostrando:

Preproducción:
Estudio de la convocatoria (si la hay), documentación (comprobar si se ha hecho algo parecido) y primeros bocetos.
Preguntas: ¿Quién soy?¿cómo quiero que me descubran?¿de donde vengo?¿hacia donde voy?

Producción:
Agenda en el móvil, inteligencia emocional, calendario, facilitar la comprensión del proyecto al equipo, transportes, alojamientos,…
Preguntas: ¿amigos, conocidos, saludados?

Postproducción:
Comunicación, archivo, merchandising, traducciones.
Preguntas: ¿nos interesa producir obra que no nos satisface?

A continuación, Enrique nos muestra dos de sus obras:

sobrevivir
“Sobrevivir a un fresco”
En un viaje a Roma ve un fresco que acaban de destapar en una estación de tren. El fresco tiene más de 2000 años, y el artísta empieza a preguntarse cómo puede ser que un fresco de hace tanto tiempo este todavía vigente y sea de un valor artístico incalculable, siendo que sus obras multimedia tienen menos de 7 años y ya están obsoletas.
De este enfrentamiento surge la idea del proyecto: pintar un fresco para después destrozarlo, para criticar la poco durabilidad de los proyectos realizados con nuevas tecnologías.
Presenta la idea a un concurso en Barcelona -nos enseña el dossier presentado y como lo elaboró- y se la aceptan.
Pasos:
1- Cubrir de cal la pared y tapar con arena los huecos. 3 capas
2- Pintar con un retroproyector el motivo elegido. Utiliza otro de sus trabajos con la misma temática sobre lo efímera que es la creación digital: Su herramienta de trabajo es freehand, un software de macromedia, cuando Adobe compra la casa, deciden dejar de producir este programa, con lo cual el artísta deja de tener su herramienta de trabajo. La obra representa dos frames con dos manos, un uno hay una mano cerrada y la otra abierta con el logo de adobe; en el otro frame la mano que esta abierta ahora esta cerrada y la que esta cerrada esta abierta con el logo de macromedia en ella.
3- Una vez terminado el fresco se pasa a su destrucción.
4- El último paso es documentarlo a través de un catálogo, de fotografías y de un video realizado por Enrique.
Ver proyecto

open
</OPEN SEED>
El siguiente proyecto que nos muestra lo presenta a la convocatoria “Un jardín una idea” del Cdan de Huesca.
Juega de palabras entre Open Seed y Open Source.
Planta semillas en el jardín como si fuesen código fuente y luego las deja crecer, de forma que llegan a desbordar a la propia palabra.
Realiza las letras en metal y las entierra en el jardín, con la ayuda de dos jardineros, cultivan cada una de las letras y les ponen semillas de diferentes plantas. El resultado todavía tiene que esperar porque es un proyecto de mayo.
En este proyecto destaca la importancia de la postproducción. El vidoe final lo ha realizado con profesionales, y lo mismo las fotografías y la música. Es mucho más fácill de ver que el del proyecto anteior y explica mucho mejor la realización de la obra.
Web del proyecto: http://www.enriquecimiento.com/

Dos proyectos muy diferentes a los que es su trabajo habitual, que lo separan de la pantalla del ordenador y que lo devuelven al trabajo manual. Arte multimedia solo en temática.
Ha sido una charla muy interesante.
Otro enlace a un proyecto suyo que me gusta mucho es este: idealword

led.jpg
La segunda parte del taller es la creación de nuestra propia forma de expresión urbana en forma de led, basándonos en el grupo neoyorquino Graffiti Research Lab.

Vamos a crear pequeñas luces de colores, que unidas a un imán, podremos arrojar por la calle, quedándose adheridas a farolas, señales, rótulos, autobuses y demás mobiliario urbano.

El equipo de Tercer Asalto nos explica como hacerlo y comenzamos con la fabricación de los led: led, pila, imán y celo, led, pila, imán y celo, led, pila, imán y celo… y asi hasta 1000 led de diferentes colores (blanco, azul, verde, rojo y amarillo). Video detallado de la construcción aqui.

Ahora viene lo más divertido. Cogemos nuestros led, en bolsas, bolsillos, cascos de moto, cucuruchos de papel y nos lanzamos a las calles zaragozanas.
Primeras pruebas de “aqui SI pega y aqui NO pega”, y lanzando nuestras bombitas de colores por todo el casco antiguo camino de la pza. de España.
Por la magdalena dejamos led repartidos entre los gitanillos: “Ay payo, dame otro, que mi primo tiene dos”.
Y por el centro la gente nos pregunta y nos pide que les regalemos lucecillas. Accedemos, a cambio de que las lancen.
Bombardeamos las farolas frente a la diputación y probamos a que se peguen en autobuses y coches.
Cuando agotamos nuestras existencias, nos despedimos de la gente.

De vuelta a casa, recorremos las calles por donde hemos pasado y vemos lo bonito que ha quedado todo. Ha sido muy divertido y nos quedamos con la sensación de haber participado en algo especial y con ganas de repetir.

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LED Throwie

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LED Throwie

led.jpgLos chicos de Tercer Asalto impartieron, dentro de sus jornadas, un seminario sobre arte urbano, con un workshop de Led Throwie.La primera parte del taller fue sobre lo que se estaba haciendo actualmente en el sector: graffiti,. instalaciones, juegos con luces, proyecciones,…

Nos hablaron de Bansky desde Londres, que realiza graffiti contra el sistema en dos o 3 tintas con plantillas, y su arte callejero ha pasado a ser expuesto en galerías neoyorquinas.

Noaz, desde madrid, hacen diseños con radiografías y su temática es política.

Workhorsevisuals es el trabajo de Logan Hicks, que representa edificios en imágenes, y plantillas de 50×70 para sus representaciones.

Mark Jenkins realiza esculturas urbanas y su temática principal es las personas y la naturaleza. Es famosa su instalación de un cuerpo humano cuya cabeza parece estar metida dentro de la pared, dentro del trabajo “Embeds”, realizada con muchisimo realismo e instalada en las paredes de los bancos. Pertenece al grupo GRL.

VC Interact trabajan con pegatinas (stickers), y lo mismo hace Swoon, una chica neoyorkina que une grabado y stickers para representar ilustraciones de personas -imagen de abajo.

Stack juega con la luz, y lo mismo hace Zeus, de Paris, utiliza pinturas que solo se ven cuando son expuestas a la luz ultravioleta y decora neones pintandolos totalmente en negro y luego rascando con un clavo, de forma que al sustituir los que estan en la calle (estaciones de metro, tuneles,…) se forman dibujos con la luz.

Equipo plático esta formado por varios artístas, Eltono, Nuria, Nano 4814 y Sixe. Todos trabajan con graffiti pintado en las paredes, pero además investigan con nuevas formas de expresión.
Eltono utiliza las farolas de la calle y les situa un pequeño espejo en el que ha enmascarado zonas, de forma que al proyectarse la luz en el espejo, se forman bonitas figuras en la pared de enfrente. Experimenta tambien con graffiti sonoro, colocando un casette en la calle con un audio que repite el nombre de una persona.
Nano 8414, recoje rotulos inservibles, los redecora y los coloca en las calles.


Adrian Nabi, de Berlín, es el creador de la revista Backjumps y esta intimamente relacionado con el hiphop y la cultura del arte urbano.
Instructables, y copio de se web: “step-by-step instructions for making things you never knew you wanted”

Muchisima información para asimilar y enlaces que llevan a enlaces para quien quiera saber más sobre el tema.
Ahora, pasamos a la parte práctica…

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He encontrado este enlace que me ha parecido interesante sobre el mismo tema. Se trata de Guerrilla Gardening, y se dedican a poner plantas y flores en lugares públicos que están abandonos o poco cuidados, ellos lo llaman “illicit cultivation “. Decoran plazas, ponen plantas en paradas de autobuses o en cabinas telefónicas,… Otra forma de arte urbano.

Comienza el verano y las jornadas artísticas que más me gustan de Zaragoza:

- Tercer Asalto


- OpenArt

El año pasado asistí a estas jornadas y puse en mi blog la crónica:
- Nuevas artes en el espacio electrónico
- La situación de las artes

Bajo este título, el proyecto gohan nos invitó al ensayo general del próximo concierto de un grupo de artistas.
Copio a continuación la descripción del evento:

Casey Reas, Cesar Peris y DJ Chelis se encuentran por vez primera para interpretar piezas de John Cage en una experiencia pionera. Los visuales de Reas acompañarán a la interpretación del conjunto de percusión dirigido por Peris. Los artistas presentaran brevemente sus metodos de trabajo y, acto seguido, llevaran a cabo su version del experimental Silence de Cage.”

image_00034.jpg

Invitaron al público a subir al escenario y sentarse entre ellos para que pudiesen ver de cerca los instrumentos y la performance. Se presentó a Reas (audiovisuales), Peris (director de la orquesta), Chelis (DJ) y dos de los componentes del grupo Gohan. Contaron en que consistía el proyecto y hablaron de John Cage y sus composiciones, especialmente de “Silencio” la obra que iban a tocar.

John Cage perteneció al grupo Fluxus y fue uno de sus maestros. Intentó aplicar su filosofía budista a toda la obra que hizo, y estudio el silencio. Como cuenta Peris en la presentación, Cage se encerró en una habitación vacia donde no había ningun ruido, buscando el silencio total, pero hasta en esta situación se dió cuenta de que podía oir el ritmo de su corazón y los fluidos de su cuerpo, por lo que llegó a la conclusión de que una persona nunca podría estar en silencio.

“There is no such thing as silence. Something is always happening that makes a sound”

Aparecen en el escenario los músicos, vestidos con camiseta negra donde pone la palabra “silencio” con letras grandes y blancas. Cada uno se situa en su puesto y Peris nos cuenta que los instrumentos que van a tocar estan hechos con materiales que utilizaba el propio Cage, como latas de alubias, frenos de disco, partes sacadas de altavoces, platillos dentro de un cubo con agua,… y lo mas asombroso es el “prepared piano” lleno de tuercas y tornillos que distorsionan el sonido real de las notas hacia un sonido metálico.

También hay una mesa de mezclas en la que se encuentra Chelis con sus discos. El sonido que sale de la mesa no parece música, son sonidos metálicos que mezcla con lo que los músicos tocan.

A la vez que comienza la música, se proyectan en una pantalla de cine, formas y gráficos generados por el ordenador de Reas. Posteriormente, nos explica que sus creaciones estan basadas en lo que el llama “Emergence”. Crea varios objetos (lineas, puntos, rayas,…) y a cada uno le asigna unas características propias de movimiento. Lo pone en marcha y espera que se genere el gráfico.

Reas participa en el proyecto processing, un software de código abierto para la generación de imagenes, animación y sonido.

reas composition

No pude quedarme hasta el final pero espero asistir al concierto que darán dentro de unos meses.

Nueva clase sobre fotodigital.

Hemos comenzado viendo las similitudes entre el ojo humano y la cámara de fotos: el funcionamiento, la protección, la curvatura de las lentes, el diafragma, el iris, la capacidad de adaptación a la longuitud de onda,…

Hemos visto fotógrafos digitales aragoneses divididos es dos categorías.

Primera generación:

- José Antonio Duce:
introduce la fotografía digital en Aragón en los 90. Es fotografo profesional y director de fotografía en cine.
- Javier Povar
- Manuel Fité

jose antonio duce manuel fite

Segunda generación:
Fotografos que vienen del arte

- Jesús Bondía y Javier Almalé, que trabajan juntos y por separado

bondia y almale

Me he dado cuenta de la poca presencia que tienen todos estos fotografos en internet. Me ha sido imposible encontrar ninguna de las fotografias que vimos en el curso. He puesto estos ejemplos aunque no les hacen justicia y muestran su trabajo.

Otros fotografos de los que se habló durante la clase, aunque no vimos casi ninguno de sus trabajos, fueron: Fontcuberta con la serie orogénesis, Mapi Ribera (foto abajo) y Aguavivas.

mapi ribera

Ayer no pude asistir a clase, pero mi compañera me ha contado que vieron los documentales de Godfrey Reggio (Naqoiqatsy), y las fotografías de Desiree Dolron

desiree dolron

Ayer dimos la última clase sobre video e instalaciones. A partir del jueves hablaremos de fotografía digital.

Vimos un video más de Kraftwert y a continuación un par de actuaciones y un documental sobre la performance de Jean Michel Jarre en China, en La Ciudad Prohibida.

jean michel jarre

Elementos de lectura en el arte y las nuevas tecnologías.

Páginas visitadas:
- ximolizana.spaces.live.com (arte robótico)
- srl.org (arte robótico)

http://www.masdearte.com/imagenes/fotos/R_angeles-lizana_IVAM.jpg

El arte robótico me interesa especialmente, sobre todo la obra de Marcelí Antunez, del que comentaré en un post sobre Art Futura 2006.

Hemos visto 11 normas que caracterizan las obras de net art. Estaban sintetizadas de un texto de Jose Luis Brea, llamado “net.art: (no)arte, en una zona temporalmente autónoma”.

Como ejemplo de algunas de ellas hemos visto obras de Kosuth y Magritte.

Ya no se valora: Volúmenes, Llenos/vacios, Huecos y espacios, Texturas, Escalas
Se valora: Dialéctica, Posibilidad de comunicación, Globalidad, Universsalidad, Discurso no lineal, Nuevas iconografías, Nuevas funciones.

Hemos visto algunos fragmentos de un video de Kraftwert.