La semana pasada Sergio Duce  y Elena Zapata (comisaria de la exposición) nos invitaban al concierto y exposición de Fredo Viola dentro del marco de Periferias. No quise mirar nada por internet de su obra o de su biografía y acudimos “a ciegas” al evento.

Entramos en la sala Doña Petronila del Museo de Huesca donde iba a realizarse el concierto. El entorno nos sorprendió, una pequeña sala con el suelo y paredes de piedra y el techo de madera. Saludos, caras conocidas, presentaciones y, se apaga la luz, se hace el silencio y, acompañado de una violinista, comienza a cantar Fredo Viola…

Fredo Viola

Nacido en Londres pero residente en Los Angeles. Estudió cine en Nueva York pero en cuanto pudo formó su propio estudio y comenzó a grabar su propia música. Se primer vídeo clip fue un éxito en internet The Sad Song y lo podéis ver junto con su trabajo más relevante en la exposición “Polifonías Visuales” en la diputación de Huesca hasta el 12 de Noviembre.

Todos sus trabajos están basados en la misma idea: la imagen y el sonido unidos en una armoniosa composición.
Paisajes, lugares o retratos. Imágenes grabadas o fotografiadas y montadas en After effects como piezas diferentes, sincronizadas con la música. Música dividida en pistas o grabada en diferentes lugares sonando a la vez en vídeos superpuestos. Formas variadas huyendo del 16:9. El mismo dice en la entrevista realizada para Periferias: ” Have I done enough music than I can call myself a musician? have I done enough visual design than I can call myself a visual artist? “.

Algunas de las obras que podemos ver en la exposición y que más me gustaron:
Improvisation: un caleidoscopio de imágenes

Red States: performing from 3 parts os the world
The Turn Opus: Un viaje montado en 11 slides verticales.
The Turn gosht cluster performance: 6 voces, 6 vídeos superpuestos creando la atmósfera fantasmagórica.
Huesca: una pieza realizada especialmente para la ocasión. Grabada y editada los días antes a la inauguración en la misma ciudad. Creo que mi favorita porque igual que cada una de las obras tiene para Fredo Viola una importancia personal por los lugares, personas o sonidos que aparecen, para mí esta pieza lo tiene también porque he estado y sentido en los mismos sitios que el ha recogido.

Creo que Elena hizo una muy buena elección al traer a Fredo Viola a Periferias y permitirnos disfrutar de su obra y, también creo, que nos ayudo a hacerlo de la manera perfecta: oirlo en directo y, después, ver sus trabajos. No hicieron falta más explicaciones.

fotos de Toño García

“Máscaras” nació como un proyecto de Lorena para la escuela de artes y para el que modeló y decoró varias máscaras.
Posteriormente, y con la ayuda de Iñaki y varios profesionales en la actuación, iluminación y danza, dieron vida a las máscaras en un videoclip-performance-obradeteatro que merece la pena ver.

Os dejo el trailer del vídeo y podéis ver fotos del making-off de máscaras en flickr.

Máscaras (Trailer) from Ignacio Bernal on Vimeo.

Hace dos semanas asistí a la sesión “re_lecturas” en la cai, organizada por Observatorio de Vídeo No identificado-OVNI, en la que proyectaron una obra de Craig Baldwin, otra de Ron Rocheleau y tres piecitas de Paik. Me gusto muchísmo especialmente Beatles Elestroniques que no la había visto antes y me acordé que tenía que escribir este post.

Nam June Paik nacio en Korea pero tubo que emigrar por culpa de la guerra. Se graduó en historia del arte e historia de la música en la Universidad de Tokio donde escribió una tesis sobre Arnold Schoenberg asociado con el movimiento expresionista en Alemania y líder de la Segunda escuela de Viena. “Paik met the composers Karlheinz Stockhausen and John Cage and the conceptual artists Joseph Beuys and Wolf Vostell who inspired him to work in the field of electronic art^“ texto sacado de la wikipedia y participa en el grupo Fluxus de música contemporánea. De John Cage oí piezas en dos interpretaciones en conciertos realizados en Zaragoza.

Su primera exposición fue “Exposition of Musik / Electronic Television” en la que cuenta con varias televisiones, 4 pianos, grabaciones de audio… uno de sus principales sets era la deformación de los programas que se emitían en directo en la televisión alemana que por entonces solo emitía unas horas al día. Más tarde utilizaría imanes para  crear estas distorsiones.

Su trabajo con la cellista Charlotte Moorman, es su primera exposición en Nueva York, a la que le hace tocar con un cello construido con 3 televisiones del que podemos ver una muestra:

Se dice de Paik que instauró el nombre de “Sociedad de la información” o “information superhighway”.

Otro de sus trabajo, quizás de los más conocidos es Something Pacific en el que vemos a un budha con una cámara de circuito cerrado

A Paik le gustaba crear robots con circuitos y piezas de diferentes televisores.

El día de año nuevo de 1984 crea la instalación Good Morning, Mr. Orwell junto con los artistas más conocidos de su época. Se trata de una emisión vía satélite que conecta una cadena de televisión en Nueva York con el museo Pompiduo de París, retransmitiendose en Alemania y Korea. Este son trocitos de varias performances en la instalación: Charlotte Moorman, John Cage y Merce Cunningham

Posteriormente editaría 30 minutos de la pieza para poder exponer en museos.

Una de sus frases que más me gusta es: “The future is now”

En este enlace he encontrado un texto de Pablo Mancini que explica muy bien su recorrido.

La sesión de re_lecturas que me perdí el miércoles pasado trato sobre Keith Sanborn, Félix Viscarret, Matthias Müller y Jem Cohen.

Espero poder asistir el miércoles a la sesión de Muntadas.

La coreografía que más me gusto fue la coreografía de Esther Sabaté, de la compañía de cap a peus, titulada “Buscando que hacer” en la que salían 3 chicas vestidas de rojo y negro con pelotas gigantes de color blanco. Era bonita y elegante, con movimientos muy fluidos.

También me llamaron la atención “Pic-nic” una coreografía muy divertida de la compañía De Cúbito Supino y “A tientas” de José Tirado en la que habla de las cosas buenas y malas que hay dentro de nosotros. Natxo Montero y Álvaro Esteban representarón “Cuadra-T” que también me gusto y a la que pertenece esta foto:

Creo que este es uno de los post en el que menos información visual y enlaces he podido poner. No encuentro páginas de los artistas ni de las compañías de teatro, tampoco encuentro información en Google ni fotografías. Es curioso. Un mercado por descubrir??

Quizás deberías de utilizar menos tu ordenador, o quizás está cerca Datenform.

Aram Bartholl vive y trabaja en Berlín y ha participado en muchas exposiciones como Ars Electronica 06 o Transmediale 07.
Con su trabajo intenta mostrar la relación entre los datos en la red y la vida cotidiana. Copio de su web:

“In which form does the network data world manifest itself in our everyday life? What comes back from cyberspace into physical space? How do digital innovations influence our everyday actions? ”

Su último proyecto llamado “Are you social?” trata de la web 2.0, y es una camiseta en la que hay impreso un formulario con todas las principales redes sociales que puedes encontrar en internet. Con un rotu solo tienes que marcar aquellas en las que tienes una cuenta y personalizar tu camiseta.

En el 2006 hizo “Map” un proyecto que recrea las marcas de Googel Maps pero en la calle. Una estructura de madera y papel que se puede poner en el punto de la ciudad que se quiera. Crea también el mismo efecto de zoom que en la web de googel, según te acercas se va haciendo más grande.

En “Speech Bubble” se sirve de una caja de luz con forma de bocadillo de comic, un mensaje escrito y una barra, para crear una ilusión de los comentarios que se hacen en SecondLife o juegos com Warcraft. Lo situa detrás de la gente y así parece que estén hablando como los avatares. Posteriormente, perfeccionará este sistema en “Chat” integrando un teclado que permite cambiar el texto que aparece en el bocadillo.

Esta ilustración me la he hecho con Semacode, un sistema que utiliza en “Googel Portrait Series”  y en “Tagging”, sino lo he entendido mal, es un sistema que coge tu nombre, lo pasa a través de un sistema java a este símbolo de pixels entendible por un móvil, de forma que si tu haces una foto a este símbolo con el teléfono, este lo interpreta y busca en googel tu nombre. Para entendernos, convierte a tu móvil en un lector de código de barras para googel.

Os recomiendo ver todos sus proyectos y seguir su blog. No tienen desperdicio.

Gracias a Toño, descubrí que el anuncio se había basado en el arte de Ilana Yahava y que utilizando una caja de luz que cambia de color, arena y música crea pequeños clips en los que modela el material para contar historias. Una nueva forma de modelar y de utilizar los materiales.

Os dejo el spot y un ejemplo de su trabajo:

Los conocí cuando fuimos a Art Futura el año pasado (por cierto esta siendo en estos momentos, snif snif) y ya los puse aqui.

A través del blog de la revista Creative Review me he encontrado con una entrevista que les hacen y me ha gustado leerla y ver los nuevos trabajos que han hecho este año.

“At the beginning of a project most of the team will get together to throw ideas around. We then set up smaller teams to work on the projects they’re most suited to based on their programming, animation, photography or interaction skills.”

“Light is a very powerful medium, both in its emotive qualities and in the way you can control it to change a physical environment. On the most simple level people are naturally attracted to light: it has kind unexplainable magical quality.”

“We definitely see the future in terms of getting the freedom to push the boundaries in our responsive installation work, whether temporary or permanent, and blending that with elements of live performance to try to find something new.”

Son unos maestros de la luz, los led y de la visualización de datos. Me encanta su trabajo.

Aqui dejo una foto del montaje de luces que acompañaba a los Chemical en su actuación en Trafalgar Square conmemorando el 60 aniversario de la ICA.
Otra de su última trabajo de esculturas gigantes con leds, que presentarón en la Nuite Blanche de Paris y que buscaba la interacción del público que recortaba sombras sobre el fondo luminoso.
Y una última de su trabajo Hereafte, donde pasas a formar parte de un cuadro por tu reflejo, pero en el que se mezclan imágenes grabadas previamente, con momentos anteriores que recoje una cámara de alta velocidad situada en el marco del cuadro.

Copio de su propia página web una lista de 10 cosas que deberías saber sobre Tracey, que sirven perfectamente para entender lo que hace:

1. Tracey Emin might not be the kind of artist your granny would like. Her autobiographical style of work is all about exposing the kind of things about herself that most people would be too ashamed to reveal.

2. Her confessional subjects include abortions, rape, self-neglect and promiscuity, sometimes expressed with the help of gloriously old-fashioned looking, hand-sewn applique letters. Her dad quite likes the sewing, because it reminds him of his own mum.

3. One of her installations, called Everyone I Have Ever Slept with 1963-1995 is a tent, into and onto which she has sewn all these people’s names.

4. Some see poetry in the titles of her work. They include: You Forgot to Kiss My Soul; Every Part of Me Is Bleeding; My Cunt is Wet With Fear; and I Need Art Like I Need God. There is no Still Life With Bowl of Apples, as far as we know.

5. Emin has been accused of cynically exploiting the public’s darkest levels of voyeurism.

6. But her honesty can be disarming. She once told Observer interviewer Lynn Barber that the first thing she did when she started making money was to buy medical insurance, because: “I’m sickly and I get run down and I have very bad herpes, and I like knowing that the doctor’s there.”

7. Emin’s first move into the public eye was opening a shop in London’s Bethnal Green called, er, The Shop, with fellow artist Sarah Lucas. Emin’s stock included letters she’d written and ashtrays with pictures of Damien Hurst’s face stuck to the bottom of them.

8. Emin was the inspiration – if that’s the right word – for a latter day art movement called Stuckism, which is devoted to advancing the cause of painting as the most vital means of addressing contemporary issues. The movement was founded by her ex-boyfriend Billy Childish, to whom she had once said: “Your paintings are stuck, you are stuck! Stuck! Stuck! Stuck!”

9. White Cube curator Jay Jopling spotted her in 1994 and the big time called. She came to wider public attention during a live Channel 4 Turner Prize debate in 1997. A very inebriated Emin mumbled incoherently that “no real people” would be watching and that she wanted to go be with her mum and friends.

10. Two years later, “Mad Tracey from Margate” (her words) was shortlisted for the Turner Prize for an installation entitled My Bed, a testimony to her self-neglect and over-indulgence. She didn’t win, but Charles Saatchi paid £150,000 for it.

Mas imágenes pueden verse aqui

Investigé más sobre su obra y tiene trabajos muy interesantes.

Su temática es tratar de recrear a través de instalaciones, escultura y fotografía, diferentes fenómenos naturales que se producen en el mundo y que, en muchos casos, todavían no se han explicado como pueden suceder.

“The intangibility of miraculous natural phenomenon that occur in remote, exotic places is where I depart as a creator of objects of simulation. These objects represent physical fantastic experiences, uncommonly encountered and predominantly unknown by the world today.”

Genera espacios en los que te puedes meter y experimentar sensaciones que no podrías experimentar de otra manera. En sus trabajos “Leviathan”, “Hawaiisimulator” y “Subterrania” te sientes como si estuvieses dentro del estómago de una ballena, te encontrases en una playa en hawaii o estuvieses viendo a través de un volcán el otro lado de la tierra.

Recrea fenómenos mitológicos, como unas fotografías en las que aparece el Yeti, o una serpiente gigantesta en medio del mar basándose en unas fotos de Robert Serrec de 1964.

Proyecta insectos hasta que son del tamaño de un hombre en “Magnificent” o crea una tabla de surf con forma de calamar gigante en “Calamariisurfing”.

Estoy deseando ir a una de sus exposiciones y meterme en esa barriga de ballena.

Su temática principal es el cuerpo humano. Su medio de expresión es el vídeo, y experimenta con efectos visuales, drops y fallos, como por ejemplo las lineas del forward. En muchas de sus obras aparece ella misma, disfrazada o desnuda. Sus trabajos son simples, divertidos y muy bonitos. Llenos de color.

En sus comienzos fué influenciada por el movimiento Fluxus, y a su vez, por la influencia que este movimiento ejercía en The Beattles y el trabajo de Yoko Ono. Su primer trabajo y uno de los más famosos es “I´m Not the Girl Who Misses Much” de 1986, sacado de una canción de John Lennon, en el que aparece Pipilotti con un vestido negro dejando su pecho al aire y cantando una y otra vez esta linea de la canción. Utiliza pases a cámara rápida y lenta, detiene el vídeo y distorsiona la voz.

Pipilotti utiliza en varias ocasiones la canción “Wicked Game”de Chris Isaak. La primera vez es en la videointalación “I am a victim of this song”. La segunda es en la obra “Sip my Ocean” de 1996 en la que ella misma canta la canción. Es una videoinstalación muy bonita. Se proyecta en una habitación a oscuras y llena de cojines para poder sentarse. En una pared proyecta una parte y el la de alado el otro vídeo, de forma que quedan unidos por la esquina. Utiliza una cámara sumergible y graba su cuerpo y el suelo de la piscina con objetos encontrados. Los movimientos de cámara son rotatorios como si estuviesemos viendo un caleidoscopio, potenciando este efecto al verlo proyectado en la esquina. Son tonos azules y claros, como si nos encontrasemos nosotros también debajo del mar. Me podría pasar horas viendo este trabajo y relajándome.

Por el contrario a esta videoinstalación, el trabajo que realiza en “Ever is Over All”, lo que invita es a levantarte, salir a la calle y golpear todas las ventanillas de los coches que te encuentras a tu paso. En esta videoinstalación, volvemos a ver dos videos en paredes continuas, uno de frente y otro a la derecha. El de la derecha simula nuestro espejo retrovisor, vemos imágenes muy agradables de flores rojas, planos muy cercanos de colores cálidos. En la pared de enfrente, se proyecta un loop, en el que aparece Pipilotti disfrazada y con una flor gigante en la mano. Pasea por una calle, a la izquierda esta la pared y a la derecha una fila de coches. Camina por la calle balanceando la flor, de repente, golpea uno de los coches con la flor y rompe la ventanilla. Sigue caminando. Vuelve a golpear otro coche y rompe la ventanilla. Se cruza con gente, un policia, se saludan, y sigue caminando y sigue golpeando.

El último trabajo que me gustaría comentar, es su videoinstalación “Open my Glade” que consta de 16 videos de un minuto cada uno y se proyectaban cada hora desde las 9 a las 12 en Times Square en Nueva York. Pipilotti simulando estar encerrada dentro de una tele.

Su trabajo es dificil de ver, nunca ha editado ningún DVD, aunque si que han editado libros sobre su obra.
En esta web hay fotografías de sus trabajos desglosadas.
Aqui podemos encontrar un recopilación de sus trabajos. El video se puede descargar.
Subterfuge editó un cd con la banda sonora de sus trabajos con ocasión de una exposicón colectiva realizada en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León y titulada “Pröblemäs büenös. 4 obras de Pipilotti Rist y amigäs”
Más información sobre su obra y vida en la wikipedia.